(Valencia 1942 geb.)
Ariosto, 2014, auf der Rückseite signiert, betitelt und datiert, Öl, Jute und Textilcollage auf Jute, 170 x 170 cm, gerahmt

Provenienz:
Europäische Privatsammlung (2015 direkt vom Künstler erworben)

Ausgestellt:
Reggio Emilia, L'Orlando Furioso, Incantamenti, passioni e follie: l'Arte Contemporanea legge l'Ariosto, Palazzo Magnani, 4. Oktober 2014 - 11. Januar 2015, Ausst.-Kat. S. 267 mit Abb.

„Ich bin ein bloßer Erzähler, der die Geschichte der Malerei auf verschiedene Weise und mit neuen Materialien kommentiert: Es ist wie ein Spiel, das darin besteht, den Code und den Schlüssel zum Kunstwerk zu ändern ... Viele meiner Farben, Materialien und Texturen sind das Produkt von wiedererlebten Erfahrungen anderer Meister.
Bei meiner Malerei habe ich viel nachgedacht.“
Manolo Valdés, zitiert in C. de Albornoz, „Manolo Valdés“,
in Abc, 26. Juni 2005

Die Gemälde, die Valdés mit Hilfe von Nähten auf verschiedenen Stoffen, dickem Farbauftrag und hochwertigen Pigmenten auf Sackleinen gemalt hat, ähneln verschlungenen Wurzeln, die wiederum an Reben erinnern und aus der Ferne die Form eines einzigen Bildes annehmen. Dieses Bild kann in seiner Gesamtheit schwer zu erfassen sein, da es sich um ein Dickicht aus Tüchern, Rissen und dichten Farben und Texturen handelt. Wenn das Auge versucht, es zu erfassen, löst sich das Bild in den Rissen des Stoffes auf, verschwindet und verleugnet seine eigene Kohärenz. Man hat das Gefühl, auf einen dichten, farbigen Stoff zu stoßen, der sich ständig verändert und zwischen Momenten der Klarheit und der Auflösung navigiert. Was immer präsent ist, verdankt dies weniger einer klaren Erzählung, sondern eher einem Wirrwarr aus Aufbau und Zerstörung, in dem Figuren und Bezüge wuchern.

Der Künstler fragmentiert, dekonstruiert und baut gleichzeitig wieder auf, ohne dass ersichtlich wird, in welcher Reihenfolge dies geschieht. Das Gleiche gilt für seine Porträts, Landschaften und Stillleben. Alles wird zu einer Masse von Fragmenten, die sich in seinen Händen schließlich wieder zu einem einzigen Bild zusammenfügen.

In dem barocken Durcheinander von dekonstruierten Elementen, aus denen sich Valdés' Werke zusammensetzen, verbirgt er nicht so sehr die Verwendung verschiedener Techniken und Materialien, sondern liefert durch sie den Beweis für eine bewusste Gestaltung. Betrachtet man die Form seiner Kompositionen mit den auf die Leinwand gezeichneten Umrissen, die dann durch den Farbauftrag verdeckt werden, so nimmt das gemalte Bild durch die Anhäufung von Schichten und das Hinzufügen von aufgenähten Flicken Gestalt an; im Gegensatz dazu entsteht das Bild in seiner Skulptur durch die gegenseitige Befruchtung verschiedener Quellen, wobei er sich gelegentlich auf eine historische Figur wie Cranach oder Matisse beruft. Dennoch ist das, was dann entsteht und zum Leben erwacht, in einer anderen Dimension und einer anderen Sprache. Es ist etwas anderes: Es ist Valdés' eigene Version. Und die Textur, die er erreicht, entsteht durch gegensätzliche Verfahren – das eine zufällig, das andere absichtlich und mit Hilfe einer neuen Technik: dem Nähen.

Die Malerei von Valdés kann aufgrund der Vielfalt der Ideen, die sein Ausgangsmaterial bilden, eine eigene, frei geschaffene Identität beanspruchen. Die Gemälde selbst besitzen eine taktile Dimension, die den Tastsinn des Betrachters anspricht. Sie geht über den bloßen Maßstab hinaus, wie man ihn bei Chillidas Skulpturen erlebt, und bietet eine Quelle der Erkenntnis aus den vielen Schichten der Leinwand des Künstlers. Diese Kombination von Ausdruckskanälen eröffnet eine dritte Dimension seines Werks, ohne die der visuellen Stimulation eigenen Merkmale aufzugeben. Die Details tragen immer noch zum Gesamteindruck bei, und die Umschreibung des Künstlers ersetzt die Rolle der Erinnerung.
Professor Kosme de Barañano, Universität Miguel Hernandez, Altea und Universität des Baskenlandes, Bilbao. Veröffentlicht in Manolo Valdés, Recent Work - Paintings & Sculptures, Ausst.-Kat. Marlborough Fine Art, London (10. Juni-16. Juli 2016)