(Bologna 1890–1964)
Fiori, 1943, signiert, Öl auf Leinwand, 20 x 21 cm, gerahmt

Provenienz:
Sammlung G. Beliossi, Bologna
Europäische Privatsammlung

Ausgestellt:
Bologna, Natura ed Espressione nell’Arte Bolognese-emiliana, Palazzo dell’Archiginnasio, 12. September – 22. November 1970, Nr. 102 mit Abb.
Rom, Giorgio Morandi, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, 18. Mai – 22. Juli 1973, Nr. 76 mit Abb.
Ferrara, Giorgio Morandi, Palazzo dei Diamanti, 1. Juli – 8. Oktober 1978 (Rückseite Klebezettel)

Literatur:
L. Vitali, Giorgio Morandi Pittore, Mailand, Il Milione, 1964, 1965, 1970, Nr. 145 mit Abb.
L. Vitali, Giorgio Morandi, Catalogo Generale 1913–1947, Electa, Mailand 1977, Nr. 406 mit Abb.

Zitat:
„[...] Ah, ja. Er ist der Maler, den ich am meisten liebe. Die Gegenstände, die er darstellt, sind in ein traumhaftes Licht getaucht, und doch sind sie mit einer Distanz, mit einer Präzision, mit einer Strenge gemalt, die sie fast ungreifbar machen. Man könnte sagen, es ist eine Kunst, in der nichts zufällig geschieht.“

Federico Fellini, La Dolce Vita, 1960
Dialog zwischen Marcello und Steiner über Morandis Malerei

„Siehst du, in dieser Stille, in der die Dinge
sich selbst aufgeben und kurz davor zu sein scheinen,
ihr letztes Geheimnis zu verraten,
erwartet man manchmal,
einen Irrtum der Natur zu entdecken,
den stillen Punkt der Welt, das Glied, das nicht hält,
den Faden, der zu entwirren ist und uns schließlich
in die Mitte einer Wahrheit bringt.“
Eugenio Montale, „I Limoni“ (1925)


Es gibt Künstler, die ihr ganzes Leben der Darstellung eines oder weniger Themen widmeten. Diese Themen sind für sie zu charakteristischen Elementen ihrer Poetik geworden, vor allem aber zu grundlegenden Instrumenten der ontologischen und phänomenologischen Untersuchung.
Paul Cézanne, der Vater der modernen Kunst, malte über zwanzig Jahre lang den berühmten provenzalischen Berg Saint Victoire und dachte dabei intensiv über das Thema der Naturwahrnehmung nach; Alberto Giacometti, befreit von den Beschränkungen der „surrealistischen Partei“ - um einen späten Ausdruck von Matta zu verwenden - konzentrierte sich auf seine Studien und „grub“ das Material aus, um das authentische Wesen des Menschen zu erfassen. Und schließlich Giorgio Morandi, der große geistige Erbe der Visionen Cézannes, der wie der Meister aus Aix das Alltägliche als einziges, immerwährendes ikonographisches Modell nahm und dessen scheinbare Vorhersehbarkeit erforschte.
In Morandis Kunst gibt es eine verborgene Dimension, einen Zwischenraum, dessen Größe gerade in der Art und Weise liegt, in der das Banale in etwas Angestammtes, Epiphanisches verwandelt wird. Und wenn letzteres einerseits an die Tradition anzuknüpfen scheint, so überträgt es sich andererseits perfekt auf eine biografische und existentielle Ebene: ein klösterliches, zurückgezogenes Gemälde, wie das von Jean Baptiste Chardin, ist von Meditation und Stille bestimmt.
Das vorliegende Werk bezieht sich auf die historische Periode, die der große Kritiker Francesco Arcangeli als „die große Jahreszeit“ der Landschaften und Stillleben von ‘42 bis ‘43 bezeichnete. Morandi, der die avantgardistischen Experimente der ersten Phase seines Lebens endgültig hinter sich gelassen hatte, war also vor allem mit der metaphysischen Kunst verbunden.
Dieses Werk ist ein außergewöhnliches Beispiel für den poetischen Weg des Malers aus Bologna. Mit einer sehr minimalen Farbpalette, die mit gedeckten und entsättigten Farbtönen dargestellt ist, wird ein Thema skizziert, das sich dem Betrachter eher als ein Bild des inneren Geistes denn als eine tatsächliche Darstellung anbietet. Genau aus diesem Grund konnte es – wie Walter Benjamin sagen würde – jene „einzigartige Erscheinung einer Distanz“ offenbaren, die das Wesen der Aura ausmacht.